Barca di Venetia per Padova
Barca di Venetia per Padova (2014-2018) parte de um dispositivo dramatúrgico peculiar: uma obra vocal do início do século XVII (Adriano Banchieri, 1604/1605) cuja própria estrutura já funciona como “teatro em música”. Composta por vinte madrigais a cinco vozes — e articulada como uma viagem de barco entre Veneza e Pádua —, a peça instaura uma cena feita menos de ação psicológica e mais de circulação: entradas, despedidas, apresentações e pequenas situações que se sucedem como quadros sonoros. O espetáculo, portanto, não “ilustra” a música: assume que o texto e a partitura já contêm uma teatralidade intrínseca, baseada em dinâmicas coletivas, contraste de personagens e alternância de registros.
A montagem contemporânea, dirigida artisticamente por Adriano e Fernando Guimarães, opera justamente nesse ponto: ao invés de transformar os madrigais em “números musicais” dentro de um enredo linear, sustenta o espetáculo como um microcosmo social, em que a barca funciona como máquina de encontros e fricções. Os passageiros — figuras de diferentes regiões, ocupações e idiomas/dialetos — são tratados como um arquivo vivo de culturas em trânsito, e essa diversidade não aparece apenas como tema narrativo, mas como procedimento de composição: a cena se organiza por camadas simultâneas, aproximações repentinas, sobreposições e pequenas disputas de atenção. Assim, o espetáculo enfatiza a lógica do coletivo e do deslocamento, fazendo da travessia um modo de organizar o tempo cênico.
Um dos gestos mais significativos da encenação é o diálogo entre música e paisagem, por meio de projeções de vídeo que acompanham o percurso da viagem (paisagens vistas da perspectiva de quem viaja, inclusive em meios atuais como ônibus, carro e avião). Esse recurso atualiza sem didatismo: em vez de “modernizar” o barroco por efeito superficial, coloca em fricção dois regimes de deslocamento — o da embarcação histórica e o das mobilidades contemporâneas — como se ambos compartilhassem uma mesma condição estrutural: a viagem como espaço de convivência forçada, observação e escuta. A projeção funciona, então, não como cenário ilustrativo, mas como contracampo temporal: um dispositivo de montagem, quase cinematográfico, que produz associações e cria um horizonte de experiência para o espectador.
Por fim, a obra confirma uma tese que atravessa a montagem: trata-se de um espetáculo que se organiza pela primazia do ouvido, reposicionando o olhar como apoio e não como eixo central. Isso aparece já na própria recepção sugerida pela tradição do gênero — a ideia de uma cena que “entra pelos ouvidos” — e se concretiza na aposta em uma teatralidade da escuta, na qual ação é, frequentemente, variação rítmica, troca de timbres e alternância de vozes. Nessa chave, o trabalho não busca impor uma narrativa externa, mas intensificar as operações internas da peça (convívio, contraste, disputa, coro) com procedimentos de cena que preservam sua natureza híbrida: uma embarcação dramatúrgica em que música e teatro não se alternam — se contaminam.
Barca di Venetia per Padova (2014–2018) is built around a peculiar dramaturgical device: an early seventeenth-century vocal work (Adriano Banchieri, 1604/1605) whose very structure already functions as a form of “theatre in music.” Composed of twenty five-voice madrigals—organized as a boat journey between Venice and Padua—the piece establishes a scene shaped less by psychological action than by circulation: arrivals and departures, introductions, and small situations unfolding as sonic tableaux. The performance, therefore, does not “illustrate” the music; rather, it takes the text and score as already containing an intrinsic theatricality, grounded in collective dynamics, contrasts between characters, and shifting registers.
The contemporary staging, artistically directed by Adriano and Fernando Guimarães, operates precisely at this point: instead of turning the madrigals into “musical numbers” within a linear plot, it sustains the work as a social microcosm in which the barque functions as a machine for encounters and frictions. The passengers—figures from different regions, occupations, and languages/dialects—are treated as a living archive of cultures in transit, and this diversity appears not only as a narrative theme but as a compositional procedure. The scene is organized through simultaneous layers, sudden convergences, overlaps, and small struggles for attention. In this way, the piece foregrounds the logic of the collective and of displacement, making the crossing itself a means of structuring scenic time.
One of the most significant gestures in the staging is the dialogue between music and landscape, through video projections that follow the route of the journey (landscapes seen from the perspective of those travelling, including contemporary modes of transport such as buses, cars, and airplanes). This device updates the material without didacticism: rather than “modernizing” the Baroque through a superficial effect, it brings two regimes of movement into friction—the historical vessel and contemporary mobilities—as if both shared the same structural condition: travel as a space of forced coexistence, observation, and listening. The projection thus functions not as illustrative scenery, but as a temporal counter-shot: an editing device, almost cinematic, that generates associations and opens an experiential horizon for the spectator.
Finally, the work confirms a thesis that runs through the entire staging: it is a performance organized around the primacy of the ear, repositioning the gaze as support rather than as the central axis. This is already suggested by the tradition of the genre itself—the idea of a scene that “enters through the ears”—and it becomes concrete in the wager on a theatricality of listening, in which action is often rhythmic variation, shifts in timbre, and the alternation of voices. In this sense, the production does not seek to impose an external narrative, but to intensify the piece’s internal operations (coexistence, contrast, dispute, chorus) through scenic procedures that preserve its hybrid nature: a dramaturgical vessel in which music and theatre do not alternate—they contaminate one another.
Direção musical
[Musical direction]
André Vidal, Cecilia Aprigliano
Direção geral, direção de arte e cenografia
[General direction, art direction and set design]
Adriano Guimarães, Fernando Guimarães
Cantores
[Singers]
André Vidal, Gustavo Freccia, José Alberto de Almeida Junior, Mônica Simões, Tristana Rossi
Músicos
[Musicians]
Ana Cecilia Tavares, Agueda Macias, Cecilia Aprigliano, Diogo Queiroz, Gabriel Borges, Iara Ungarelli, Thiago Ribeiro
Atriz convidada
[Guest actress]
Cirila Targhetta
Iluminação e execução técnica das projeções
[Lighting design and projection technical operation]
Dalton Camargos, Moises Vasconcellos
Vídeos projetados e design gráfico
[Projected videos and graphic design]
Ismael Monticelli
Desenhos e animações
[Drawings and animations]
Virgílio Neto
Edição e finalização dos vídeos
[Video editing and finishing]
Pedro Bedê (Godzilla Filmes)
Fotografia [Photography]
Emilia Silberstein, Ismael Monticelli
Figurino
[Costume design]
Cyntia Carla e a equipe [and the team]